Janáčkova filharmonie Ostrava zařadila na svůj dubnový program dvojici koncertů s názvem Sibeliova První. Dvě třetiny programu však budou patřit hudbě Aarona Coplanda. Tento repertoár s tělesem v českém debutu nastuduje kanadská dirigentka Tania Miller. V rozhovoru pro portál KlasikaPlus.cz umělecká ředitelka Hudebního festivalu Brott a Kanadského národního akademického orchestru a opery Brott, která má zkušenosti s řízením významných symfonických těles v Americe i Evropě, hovoří s nadšením o vybraných dílech, sdílí své zalíbení v Coplandovi, odhaluje svůj empatický přístup ke spolupráci s orchestry a sólisty i potřebu prezentovat soudobou hudbu. V Ostravě se Miller představí 16. a 17. dubna.

V dubnu debutujete s Janáčkovou filharmonií Ostrava. Jak se na tuto spolupráci těšíte a co pro vás znamená poprvé spolupracovat s českým orchestrem?

Na společnou práci s talentovanými hudebníky Janáčkovy filharmonie Ostrava se moc těším. Dirigovat v různých zemích je pro mě neuvěřitelný zážitek, protože nás hudba určitým způsobem spojuje, a přesto se v ní vždy projeví historie, styl a kultura daného orchestru. Jsem zvědavá, jaké kvality mají hudebníci Janáčkovy filharmonie, a těším se, až spolu budeme pracovat na dílech Sibelia a Coplanda. 

Vaše kariéra vás zavedla k orchestrům po celé Kanadě, Spojených státech i do Evropy. Všímáte si při práci v různých zemích rozdílů v hudební kultuře nebo ve zvuku orchestru?

Rozhodně ano. Každý orchestr má jinou historii, včetně toho, na jaký repertoár se zaměřoval a s kým na tomto repertoáru spolupracoval. Jeho zvuk je výsledkem zkušeností, výchovy, vlivu hudebních pedagogů a dirigentů i kultury, která je obklopuje.  To je na orchestrech a živém provedení klasické hudby tak fascinující. Žádný orchestr není jako druhý. Znamená to, že skladba z repertoáru, například od Sibelia nebo Coplanda, je ve svém provedení pro tento orchestr a toto publikum vždy svěží a moderní, je to kombinace hudebního umění a historie orchestru, ale také okamžiku, ve kterém se nacházíme. Jsem ráda součástí právě takových okamžiků. 

Česká republika má silnou symfonickou tradici. Přijíždíte do Ostravy s nějakými konkrétními očekáváními ohledně zvuku orchestru nebo jeho hudebního pojetí?

Přijíždím s otevřenýma ušima a zvědavostí, protože vím o hluboké tradici v České republice, a s pozitivním očekáváním toho, co mě čeká. 

Program, který v Ostravě připravíte, spojuje americkou hudbu Aarona Coplanda s severským romantismem Jeana Sibelia. Co vás na této konkrétní dramaturgii zaujalo a jak se podle vás tyto dva hudební světy propojují?

Coplandovo dílo Apalačské jaro je velmi blízké jednoduchému, přirozenému lidskému duchu úsilí, rodiny, sdílení a přírody. Toto dílo mi je velmi blízké, stejně jako Sibelius a jeho hudba. Jeho První symfonie vyjadřuje v první větě touhu a hledání a v poslední větě vyvrcholí čímsi, co se vznáší a vzkvétá. V obou dílech je spousta emocí, vzletných expresivních linek, tance a občas i jednoduchosti a ticha. Když jsme sestavovali program, začalo to pozváním dirigovat Coplandův Koncert pro klarinet se sólistou Pablem Barragánem a vytvořit kolem toho program. Chtěla jsem do Ostravy přivézt Sibelia a zjistila jsem, že První symfonii nehráli už poměrně dlouho. Cítila jsem, že Coplandovo Apalačské jaro jedinečným reflexivním způsobem zapadá k ostatním vybraným kusům právě prostřednictvím pocitu emocí, přírody, jednoduchosti i konfliktu.

Tato Coplandova orchestrální suita z baletu je často vnímána jako jakýsi hudební portrét americké identity. Co považujete v tomto díle za nejdůležitější: jeho vyprávění, rytmickou vitalitu, nebo jedinečnou atmosféru?

Jako Kanaďan v Coplandově hudbě samozřejmě rozpoznávám portrét americké identity, ale také portrét skladatele hledajícího svůj hlas pro nový svět, který si v nové éře vytváří vlastní kulturu a je ovlivňován imigrací, kulturními dějinami i pokrokem. Apalačské jaro vnímám skrze univerzální prizma lidského ducha a úsilí a jelikož jsem sama vyrůstala v oblasti Kanady, jejíž historie je spjata s usedlostmi, osadníky a malými městečky, rezonuje ve mně toto dílo s pocitem úsilí nově příchozích, nadějných budovatelů nového života, sdílení komunity a její štědrosti, která si navzájem pomáhá. V Coplandově hudbě a v tom, co jsem četla o vzniku tohoto díla ve skladatelových dopisech Martě Graham, slyším touhu vyjádřit utváření nového života v otevřeném prostoru s neomezeným potenciálem. V této hudbě a tanci jsou obsaženy vděčnost a emoce, jako přímá a osobní součást jejich prožívání, bez ohledu na to, z jaké země pocházíme.

Na programu je také už zmíněný Coplandův Koncert pro klarinet, původně napsaný pro legendárního Bennyho Goodmana. Jak vnímáte v této skladbě vztah mezi klasickou hudbou, jazzem a vlivy populární hudby?

Copland v tomto krátkém klarinetovém koncertu vytvořil neuvěřitelné dílo s fascinující stylovou rozmanitostí. Skladba začíná hudbou, která je rozlehlá a introspektivním způsobem připomíná jednoduchou expresivitu Apalačského jara. Benny Goodman zadal Coplandovi napsání tohoto díla pouhé dva roky poté, co Copland obdržel Pulitzerovu cenu za Apalačské jaro, a tak v tomto programu můžeme zkoumat vztah mezi těmito dvěma díly. Po úvodní lyrické a melancholické hudbě uslyšíme poctu jazzovému stylu Bennyho Goodmana, která se rozvine do kadence pro sólistu. Vstoupíme do ledového světa tance mezi virtuózními, zubatými, éterickými linkami orchestru a rázným klarinetem. Nakonec nás tato hudba zavede k čistému jazzu, kde pizzicato kontrabasu uvádí bezstarostnou hru mezi klarinetem a orchestrem. Je to zábavné a virtuózní dílo. Pro Bennyho Goodmana to byla výzva, zejména ve vysokém rejstříku, a proto mu nějakou dobu trvalo, než ho uvedl v premiéře.

Sólový part přednese španělský klarinetista Pablo Barragán. Jak přistupujete ke spolupráci mezi dirigentem a sólistou v koncertním repertoáru, jde spíše o dialog, nebo o partnerství?

Myslím si, že spolupráce mezi dirigentem a sólistou je dialog. V tomto vztahu chci být posluchačem a zapojit orchestr tak, aby podporoval a umocňoval umělecká rozhodnutí a kvality sólisty. Chci vytvořit nálady a styl, které sólista potřebuje k tomu, aby mohl hrát v souladu se svými interpretačními ambicemi, ale zároveň vnáším do orchestrálního zvuku svou vlastní interpretaci hudby. Vždy jde o oboustranný dialog a často zjišťuju, že moje rozhodnutí, zvuk a styl orchestru přinášejí nové nápady a vztahy do sólistova výkonu. Ovlivňujeme se navzájem.

Druhá polovina koncertu bude věnována Sibeliovi. Čím se jeho První symfonie v rámci Sibeliova díla podle vás vyznačuje?

Domnívám se, že je výjimečná tím, že se jedná o rané dílo, které má jasné kořeny v romantismu, a přesto v něm už cítíme Sibeliovo úsilí posunout strukturální architekturu novým směrem, zejména pocit, že se vývoj neustále odehrává, že se hudba strukturálně neopakuje, ale kontinuálně se proměňuje. V tomto prvním díle se již objevují jedinečné charakteristiky skladatelova stylu. Specifická instrumentace, která je často temná a drsná, dunivá a místy disonantní, s náhlými výbuchy melodie a zpěvu. Už tady je přítomen kontrast světla a tmy, náhlé momenty disonance nebo ticha a jeho unikátní barevnost. Pro mě je toto dílo krásnou cestou od osamělého úvodu sólového klarinetu, přes první větu, která působí prapůvodně, jako by se vyvíjela z ničeho a znovu se utvářela, přes vnitřní věty, které jsou expresivní (druhá věta) a bouřlivé (třetí věta) a prorážejí do závěrečné části, která je opět bojem završeným slavným triumfem.

Sibeliova hudba je často spojována s finskou krajinou a naturelem. Jak se snažíte vnést tento ‚severský‘ charakter a poetickou kvalitu do orchestrálního zvuku?

Snažím se porozumět Sibeliovi a hudbě, kterou složil, s každou partiturou a v každém okamžiku, kdy jeho hudbu diriguju. Ano, je spojena s finskou krajinou a atmosférou, ale ještě důležitější jsou barvy, ticho, disonance, prostor, konflikt a vývoj jeho hudby.  Myslím, že důvodem, proč je spojována s krajinou a s jeho vlastním životem v blízkosti přírody, je to, že nás hudba přivádí do introspektivního prostoru. Často také nachází způsob, jak nás přivést do nové atmosféry, která souvisí s tím, jak se cítíme v přírodě, a je to jedinečně jeho zvuk. Nebojí se například zahájit rozsáhlé dílo klarinetovým sólem nebo zakončit svou Pátou symfonii obrovskými tichými pauzami mezi výbuchy zvuku.  Vnímáme celou škálu od ticha po disonanci a v tomto kontrastu tkví introspekce a něha.

Je o vás všeobecně známo, že se zajímáte také o soudobou hudbu a spolupráci s žijícími skladateli. Jak důležité je podle vás pro dnešní orchestry najít rovnováhu mezi tradičním repertoárem a novou hudbou?

Myslím si, že je důležité, aby orchestry odrážely lidstvo takové, jaké je, to, jak prožíváme dnešní svět, v našich komunitách, našich zemích i jako jednotlivci. Umělecká nabídka, kterou orchestr přináší svému publiku a komunitě, je pro lidi způsobem, jak prožít krásu, inspiraci a zážitky svého života, a to nejen skrze Beethovena v moderním pojetí. Ale také jak prožít intelektuální a lidskou expresivní zkušenost naší doby prostřednictvím různých druhů hudebních zážitků s rozmanitými významy. Když zařazujeme do programu soudobou hudbu, sdílíme s naším publikem různé druhy poslechových zážitků a jiný způsob uvažování o bytí, životě a smyslu prostřednictvím umění. Tato otevřenost vůči tomu, jak posloucháme soudobou hudbu, ovlivňuje to, jak posloucháme hudbu počátku dvacátého století, devatenáctého století, nebo dokonce i to, jak posloucháme barokní hudbu, improvizaci, jako je třeba ta, která ovlivňuje Coplandův klarinetový koncert. Ovlivňuje ale i to, jak se dnes prostřednictvím hudby spojujeme s různými kulturami světa.

Několik let jste působila jako umělecká ředitelka Victoria Symphony. Jak vás tato zkušenost formovala jako dirigentku a jako vedoucí osobnost v rámci orchestru?

Práce umělecké ředitelky Victoria Symphony mě moc bavila, a to zejména proto, že jsem tam měl čas formovat kvalitu orchestru, rozvíjet vnímání a zážitky publika a uvádět tak mnoho různých druhů koncertů a repertoáru. Díky tomu, že dirigent tráví s jedním orchestrem hodně času, může rozvíjet jeho zvuk a dlouhodobě pracovat na cílech, které lze realizovat pouze v rámci delšího procesu. Je to velmi uspokojující zkušenost, stejně jako navazování kontaktu s publikem a jeho dlouhodobý rozvoj.

Vedete rovněž Hudební festival Brott a Národní akademický orchestr Kanady, který spolupracuje s mladými hudebníky. Co vás při práci s budoucí generací orchestrálních hráčů inspiruje nejvíce?

Podle mě je velmi důležité předávat tradici, znalosti a zkušenosti z oblasti interpretace klasické hudby mladým nadějným hudebníkům. Je skvělé pracovat s hudebníky, kteří mají chuť poznávat repertoár, často poprvé, a kteří mají velký talent, ale zatím ještě ne tolik zkušeností. Jedním z hlavních aspektů orchestrální hudby je kvalita sdílení, jak mezi sebou, tak s naším publikem. Hudební tradice se předávají z generace na generaci a já jsem vždy ráda, když mohu být součástí této zkušenosti a předávat veškeré poznatky a inspiraci, které mohu, abych pomohla mladším hudebníkům na jejich cestě. Jejich vášeň, naděje a sny inspirují i mě.

Dirigování je často popisováno jako spojení technické preciznosti a osobní energie. Když vystoupíte na pódium, co považujete za nejdůležitější prvek: kontrolu, komunikaci nebo inspiraci?

Rozhodně ne kontrolu. Jasnost ano, aby se hudebníci mohli uvolnit a soustředit se na komunikaci mezi mnou a nimi, a také mezi sebou navzájem. A rozhodně je důležitá inspirace, ale nejen pro interpretaci, ale také pro schopnost dirigenta vytvářet jednotu prostřednictvím smyslu a uvědomění.

Jako hostující dirigentka máte s orchestrem obvykle k dispozici jen omezený čas na zkoušky. Jak se vám daří v krátkém čase vybudovat společnou hudební vizi?

Společná hudební vize je proces, který začíná na zkouškách a pokračuje až do samotných vystoupení. Je obtížné realizovat každou vizi v krátkém čase, ale základy toho, čeho se snažíme dosáhnout, to znamená, jaký zvuk, styl, obecné povědomí o rovnováze a kvalitách provedení hudby a obecný smysl pro interpretaci a význam, to vše směřuje ke sjednocené vizi, která se začne vynořovat při generálce a dále se rozvíjí během vystoupení. Díky práci na zkouškách se interpretace a význam začínají vyjasňovat a ovlivňovat naši hudbu, takže i když jsme o konkrétní části třeba ani nemluvili, ani na ní nepracovali, práce, kterou jsme odvedli v jiné části, osvětluje i tolik nerozebíranou pasáž.

Na co byste posluchačům v Ostravě doporučila, aby se při koncertu zaměřili? Je v programu nějaký konkrétní moment nebo detail, o který by podle vás neměli přijít?

Doporučuji jim, aby věnovali pozornost vnitřnímu napětí a kontrastům ve všech skladbách, aby si vychutnali taneční prvky v Apalačském jaru i ve druhé větě sólového koncertu a aby si užili pocit introspekce v jednoduchých, hymnických, melancholických či nadějeplných momentech obou Coplandových děl, stejně tak v úvodním osamělém sólu klarinetu v Sibeliově symfonii, jako i v prudkých kontrastech a expresivním, zpěvném triumfu její závěrečné věty.

Foto: Web Taniy Miller

Facebook X E-mail WhatsApp